Forlì Open Music 2026
Fondazione Masini e Auditorium Conad Città di Forlì dal 12 al 15 novembre
Dal 12 al 15 novembre si terrà l’undicesima edizione del festival Forlì Open Music, che si svolgerà tra la Sala Sangiorgi della Fondazione Masini e l’Auditorium Conad Città di Forlì, a pochi passi dalla stazione ferroviaria.
Tra gli ospiti, i São Paulo Underground di Rob Mazurek, che saranno in residenza artistica proprio a Forlì e presenteranno in prima mondiale i brani del nuovo album, e The Messthetics and James Brandon Lewis, formazione in cui militano due membri della leggendaria band post-hardcore statunitense Fugazi. Gli studenti potranno partecipare a ogni evento acquistando biglietti al costo di 1 euro.
Forlì Open Music è da sempre uno spazio aperto alla pluralità dei linguaggi artistici e all’incontro tra forme espressive in continua evoluzione. La varietà delle proposte mette in dialogo artisti di fama internazionale e talenti del territorio, tracciando un percorso attraverso i diversi mondi musicali che interpretano il nostro tempo: la musica del presente. Fin dalle prime edizioni, il festival si è distinto per il suo carattere trasversale e per una forte vocazione divulgativa. L’obiettivo è avvicinare il pubblico a musiche differenti, nate all’interno del medesimo orizzonte storico e culturale, stimolando un ascolto libero da categorie e aperto alla scoperta.
Il programma di questa edizione si arricchisce del contributo di Franco Masotti, che ha collaborato alla definizione di alcune delle proposte artistiche.
La lista degli ospiti annovera l’autore, produttore e conduttore radiofonico Pino Saulo, con una masterclass rivolta agli studenti del Liceo Artistico e Musicale “Canova” e della Fondazione Masini, dal titolo Ripetizioni, inciampi, incanti; Walter Prati, Gianni Trovalusci e Giancarlo Schiaffini, impegnati prima nel laboratorio Franco Evangelisti, il suono diventa pensiero e poi in concerto insieme alla violoncellista francese Frances-Marie Uitti, presenza rarissima da vedere dal vivo nel nostro Paese; l’ensemble composto da studenti del Liceo Musicale Canova e dell’Istituto Musicale Masini, che eseguirà, sotto la supervisione di Antonio Caggiano, il concerto In C di Terry Riley; Valerio Corzani, con la conferenza Jazzcover: 10 memorabili copertine (questo evento si terrà all’ex Asilo Santarelli), in collaborazione con Dai De Jazz; gli Ars Ludi, che con Minimalismo90° vogliono avvicinare le giovani generazioni alla musica colta contemporanea attraverso le opere di tre dei suoi protagonisti storici: Philip Glass (89 anni), Steve Reich (90) e Terry Riley (91); il Sidera Sax Quartet, formato da musicisti tra i più attivi e rappresentativi dello scenario contemporaneo italiano, uniti dalla volontà di arricchire e divulgare il repertorio contemporaneo e sperimentale; per la prima volta in Italia, i brasiliani Goat Unity di Guilherme Granado, mago del suono di San Paolo e figura di riferimento, membro di alcune formazioni cardine come i São Paulo Underground e l’Exploding Star Orchestra; i brasiliani-americani São Paulo Underground di Rob Mazurek, Guilherme Granado e Mauricio Takara, ai quali si aggiungerà in concerto anche il vibrafonista brasiliano Victor Vieira-Branco. Il trio sarà Artista in Residenza proprio al Forlì Open Music, dove svilupperà nuovi lavori attraverso esibizioni, registrazioni e scambi creativi, per presentarli in prima mondiale al pubblico forlivese.
E ancora, Fabrizio Ottaviucci, uno dei più autorevoli interpreti italiani della musica contemporanea e pianista di caratura internazionale; lo statunitense Rempis/Adasiewicz/Corsano Trio, composto da tre improvvisatori di grande esperienza e prolifici, il cui lavoro è stato riconosciuto in tutto il mondo; il trio del sassofonista statunitense Darius Jones, contralto tanto feroce quanto tenero, incline sia a sfrenate esplosioni sonore sia a delicati lamenti, che collabora con artisti del calibro di Marc Ribot e Matana Roberts e ha registrato diversi album con il grande Matthew Shipp; infine, un altro combo statunitense, The Messthetics and James Brandon Lewis, che, oltre al sassofonista tenore Lewis, comprende Joe Lally e Brendan Canty, rispettivamente bassista e batterista della cult band post-hardcore Fugazi, e il chitarrista Anthony Pirog. La distanza tra la scena rock underground e il movimento del free jazz degli anni Sessanta, che ha superato i confini di genere, è più breve di quanto sembri.
Il Forlì Open Music è realizzato con il sostegno di MiC – Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna, Comune di Forlì, Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì, Emilia-Romagna Music Commission e Art Bonus.
In collaborazione con Fondazione Masini e Liceo Musicale “Canova”.
Media partner: Rai Radio 3.
IL PROGRAMMA
12-15 novembre
FORLÌ OPEN MUSIC
Giovedì 12 novembre – Sala Sangiorgi, Fondazione Masini
Ore 11 – Pino Saulo
Masterclass Ripetizioni, inciampi, incanti, rivolta agli studenti del Liceo Artistico e Musicale Canova e della Fondazione Masini.
Venerdì 13 novembre – Sala Sangiorgi, Fondazione Masini
Dalle ore 11 – Walter Prati, Gianni Trovalusci e Giancarlo Schiaffini terranno un laboratorio con gli studenti dal titolo Franco Evangelisti, il suono diventa pensiero. Progetto “Note di scuola”, in collaborazione con Dai De Jazz.
A seguire:
Concerto In C di Terry Riley, eseguito da un ensemble composto da studenti del Liceo Musicale Canova e dell’Istituto Musicale Masini, sotto la supervisione di Antonio Caggiano.
Sabato 14 novembre
Ore 16 (unico evento della giornata all’ex Asilo Santarelli) – Valerio Corzani
Conferenza Jazzcover: 10 memorabili copertine. Progetto “Note di scuola”, in collaborazione con Dai De Jazz.
Dalle ore 21 – Auditorium Conad Città di Forlì
Ars Ludi (IT)
Antonio Caggiano – percussioni
Rodolfo Rossi – percussioni
Gianluca Ruggeri – percussioni
Davide Fabrizio – percussioni
Sidera Sax Quartet (IT)
Gianpaolo Antongirolami – sax soprano
Michele Selva – sax alto
Alberto Cavallaro – sax tenore
Michele Bianchini – sax baritono
Goat Unity (BR)
Guilherme Granado – elettroniche
Thomas Rohrer – rabeca, sax
Rodrigo Brandao – voce, elettroniche
Fabio Freire – percussioni
São Paulo Underground (USA-BR)
Rob Mazurek – tromba, elettroniche
Guilherme Granado – elettroniche
Mauricio Takara – batteria
Victor Vieira Branco – vibrafono
Domenica 15 novembre – Dalle ore 17, Auditorium Conad Città di Forlì
Fabrizio Ottaviucci (IT)
Pianoforte
Uitti, Prati, Trovalusci, Schiaffini (IT-FRA)
Frances-Marie Uitti – violoncello
Walter Prati – elettroniche
Gianni Trovalusci – flauti
Giancarlo Schiaffini – trombone
Rempis/Adasiewicz/Corsano Trio (USA)
Dave Rempis – sax
Jason Adasiewicz – vibrafono
Chris Corsano – batteria
Darius Jones Trio (USA)
Darius Jones – sax
Chris Lightcap – contrabbasso
Gerald Cleaver – batteria
The Messthetics and James Brandon Lewis (USA)
Anthony Pirog – chitarra elettrica
Joe Lally – basso elettrico
Brendan Canty – batteria
James Brandon Lewis – sax
BIGLIETTI
Pass per sabato 14 e domenica 15 novembre:
55 € online su Liveticket, 65 € alla porta.
Ingresso per una singola giornata:
30 € online su Liveticket, 35 € alla porta.
Studenti: 1 € (solo alla porta).
Info: areasismica.it
I PROTAGONISTI
Pino Saulo – Masterclass: Ripetizioni, inciampi, incanti
Che cosa accade quando una figura musicale si ripete? Il suono ritorna, ma il nostro modo di ascoltarlo si trasforma. Affiorano dettagli, emergono differenze minime, il tempo sembra dilatarsi. Un inciampo, uno scarto, una variazione possono aprire passaggi inattesi dentro ciò che credevamo di conoscere. La ripetizione diventa così una soglia verso l’ascolto profondo: un’esperienza capace di coinvolgere il corpo, ampliare la percezione e allentare i confini abituali tra sé e ciò che ci circonda. Nella trance, l’apparente smarrimento può farsi intensità, presenza, connessione. Attraverso musiche di ieri e di oggi, provenienti da culture e ambiti diversi, l’incontro propone un percorso di ascolti dedicato al potere della reiterazione e alle sue metamorfosi. Senza pretese di esaustività, esploreremo il rapporto tra suono e stati di coscienza, tra ostinazione e abbandono, tra la persistenza di un gesto e la sorpresa che può generare. Un viaggio tra ripetizioni, inciampi e incanti, per scoprire come il ritorno dello stesso possa condurci ogni volta altrove.
Walter Prati, Gianni Trovalusci e Giancarlo Schiaffini – Laboratorio per il progetto “Note di scuola”, in collaborazione con Dai De Jazz, dal titolo Franco Evangelisti, il suono diventa pensiero
L’incontro nasce dall’esigenza di far conoscere la figura di Franco Evangelisti, pioniere della musica elettronica e della sperimentazione musicale fin dagli anni Cinquanta. L’appuntamento è articolato in una parte frontale, anche con l’ausilio di documenti video e audio, e in una seconda fase, durante la quale gli studenti saranno coinvolti attivamente in esercizi di improvvisazione senza l’utilizzo di strumenti musicali tradizionali. Il concerto del giorno seguente attualizzerà le metodologie di improvvisazione che Evangelisti, insieme al gruppo Nuova Consonanza, aveva delineato nel proprio percorso di ricerca ed esplorazione sonora.
Ensemble degli studenti del Liceo Musicale Canova e dell’Istituto Musicale Masini, con la supervisione di Antonio Caggiano – Concerto “In C” di Terry Riley
Un laboratorio dedicato a In C di Terry Riley, opera fondamentale del minimalismo, che coinvolge gli studenti in un’esperienza di esecuzione collettiva basata su ascolto, ripetizione, interazione e libertà interpretativa. A guidare il percorso sarà Antonio Caggiano, percussionista e interprete di riferimento della musica contemporanea, fondatore dell’ensemble Ars Ludi e membro dell’Accademia Musicale Chigiana di Siena, con una lunga esperienza nella formazione, nella ricerca e nella sperimentazione sui linguaggi musicali del nostro tempo. Sotto la sua supervisione, gli studenti del Liceo Musicale Canova e dell’Istituto Musicale Masini formeranno un unico ensemble, in un percorso laboratoriale che culminerà nell’esecuzione pubblica dell’opera.
Valerio Corzani – Conferenza Jazzcover: 10 memorabili copertine. Progetto “Note di scuola”, in collaborazione con Dai De Jazz
Il giornalista Valerio Corzani racconta dieci copertine di album entrate nella storia del jazz, porte d’ingresso verso musiche altrettanto memorabili. Un viaggio tra immagini e suoni per riscoprire il legame tra grafica e musica.
Ars Ludi (Antonio Caggiano, percussioni; Rodolfo Rossi, percussioni; Gianluca Ruggeri, percussioni; Davide Fabrizio, percussioni) – Minimalismo90°
Minimalismo90° nasce dall’idea di avvicinare le giovani generazioni alla musica colta contemporanea e, al tempo stesso, raccontare la straordinaria vitalità del minimalismo attraverso la musica di tre dei suoi protagonisti storici: Philip Glass (89 anni), Steve Reich (90) e Terry Riley (91). A oltre cinquant’anni dalla nascita di questo linguaggio, le loro opere continuano a parlare al presente, grazie a una musica fondata su pulsazione, ripetizione, energia ritmica e trasformazione del suono.
Il programma affianca a questi tre maestri Attica di Frederic Rzewsky, introducendo una forte dimensione civile e politica. L’esecuzione di Ars Ludi, con la particolare fisicità delle percussioni e un uso semplice ed essenziale dell’elettronica, restituisce queste opere in una dimensione sonora contemporanea, diretta e coinvolgente.
Opening di Philip Glass, per due marimbe e vibrafono, rappresenta in modo emblematico la poetica del compositore americano. Cellule melodiche e ritmiche essenziali vengono ripetute e progressivamente trasformate, creando un flusso continuo nel quale minime variazioni producono un intenso effetto di movimento e sospensione.
Con Attica, Frederic Rzewsky introduce una dimensione profondamente diversa. Il riferimento alla rivolta del carcere di Attica del 1971 porta al centro della composizione il rapporto tra musica, memoria e impegno civile. La parte strumentale e quella registrata si intrecciano, trasformando il suono in testimonianza e riflessione politica.
Tread on the Trail di Terry Riley, nella versione proposta da Ars Ludi, conduce il programma verso una dimensione più libera e visionaria. Il brano si distingue per un fraseggio fortemente influenzato dal jazz, caratterizzato da libertà ritmica e da una continua elasticità del gesto musicale. La ripetizione si intreccia con formule melodiche e ritmiche di matrice jazzistica, creando un dialogo originale tra scrittura contemporanea, improvvisazione e tradizione americana.
Il programma si conclude con Drumming Part 1 di Steve Reich, una delle opere più rappresentative della sua ricerca sul ritmo e sulla percezione. La ripetizione di brevi cellule ritmiche e i progressivi spostamenti generano una struttura sonora in continua trasformazione, nella quale il phasing diventa uno strumento compositivo e percettivo.
Nel suo insieme, il programma mette in luce alcuni elementi centrali della ricerca minimalista: pulsazione, ripetizione, trasformazione graduale e complessità costruita attraverso materiali essenziali. Musiche nelle quali il ritmo diventa esperienza fisica e percettiva, ancora sorprendentemente attuale.
L’obiettivo non è “attualizzare” un repertorio storico, ma mostrarne la vitalità e la capacità di parlare al pubblico di oggi. La forza ritmica e timbrica delle percussioni, insieme all’amplificazione e all’elettronica, dove previste, ne valorizza la dimensione fisica e spaziale. Il concerto crea così un dialogo naturale tra musica colta contemporanea e universo sonoro del presente, coinvolgendo anche chi si avvicina per la prima volta a questo repertorio.
Sidera Sax Quartet (Gianpaolo Antongirolami, sax soprano; Michele Selva, sax alto; Alberto Cavallaro, sax tenore; Michele Bianchini, sax baritono)
Il Sidera Saxophone Quartet è formato da musicisti tra i più attivi e rappresentativi dello scenario contemporaneo italiano, uniti dalla volontà di arricchire e divulgare il repertorio contemporaneo e sperimentale per questo organico, dalla modernità storica ai lavori più recenti, anche con elettronica.
Pur essendo di recente formazione, il Sidera Saxophone Quartet si è già esibito in importanti contesti, quali il Festival Angelica, gli Amici della Musica di Modena, il Festival Orizzonti, gli Amici della Musica di Perugia, Area Sismica, il Festival Musicale Piceno, il Festival ilSUONO 2022 e il CIM – Colloquio di Informatica Musicale.
Apprezzato interprete, il quartetto è già dedicatario di numerose composizioni. Tra queste spiccano Quadrangoli d’autunno (2021) di Salvatore Sciarrino (grazie al supporto della Ernst von Siemens Music Foundation), Neuromante X 4 di Luigi Ceccarelli, Organum III di Francesco Antonioni, Improvviso Statico III (2022), per quartetto di sassofoni e percussioni aumentate, di Carmine Emanuele Cella, Alizarin di Alexander Khubeev e Falling lights / Silence di Nicoletta Andreuccetti.
Nel 2022 è stato pubblicato il loro primo lavoro discografico, contenente opere in prima registrazione assoluta di F. Antonioni, S. Bussotti, L. Ceccarelli, R. Doati, S. Scodanibbio e A. Solbiati.
Koinè – Musica contemporanea italiana per quartetto di saxofoni (EmaVinci), definito «una registrazione che è letteralmente una porta verso l’altrove» (Nazim Comunale, Blow Up Magazine), ha ottenuto lusinghieri riconoscimenti dalla critica specialistica: è stato inserito nella “Top 5, i dischi dell’anno – ULTRASUONI. 5 x 365. Esordi, sorprese, conferme. Ecco chi ha lasciato il segno nel 2022” su ALIAS – Il Manifesto, nella “A list of musical references for 2022” di Ettore Garzia, pubblicata sulla rivista online Percorsi Musicali (31/12/22), e nella “Playlist 2022” di Nazim Comunale, pubblicata su Blow Up Magazine (gennaio 2023).
È di prossima uscita un CD per AngelicA contenente Quadrangoli d’autunno di Sciarrino e Improvviso Statico III di Cella, dedicati al quartetto, e SAXONY di James Tenney.
«Sidera Saxophone Quartet fa onore al suo nome sia nel senso di attingere a regioni stellari sia nel senso dell’eccellenza veramente superiore. In Koinè (Ema Vinci) interpreta musiche di Ceccarelli, Antonioni, Doati, Solbiati, Bussotti, Scodanibbio. I brani di Luigi Ceccarelli (Neuromante x 4, impetuoso, meditativo, free, di un’originalità indescrivibile) e di Francesco Antonioni (Organum III, un pensare lirico magistrale) spiccano tra tutti». (M. Gamba, Il Manifesto).
Goat Unity (Guilherme Granado, elettroniche; Thomas Rohrer, rabeca, sax; Rodrigo Brandao, voce, elettroniche)
In Guilherme Granado, il mago del suono di San Paolo, c’è una figura di cui tenere conto. Membro di alcune formazioni molto particolari, come i São Paulo Underground, l’Exploding Star Orchestra e gli Hurtmold, GG trova comunque il tempo e l’energia per dare vita a numerosi altri progetti personali di rilievo, come i Bodes & Elefantes, i GOATFACE! e i Filhos. Data la sua prolificità, Granado produce musica a volontà e l’ultima aggiunta a questa discografia in continua espansione è Goat Unity.
Pubblicato nel 2025 su Keroxen / Discrepant, l’album di debutto Ghost Parades segna l’arrivo di un progetto dal concept potente, in cui le influenze spaziano dall’onnipresente Sun Ra Arkestra alle composizioni orientate al beat di Prefuse 73, passando per tutto ciò che sta in mezzo. Ciò è del tutto logico, dato che Granado ha collaborato in modo significativo con entrambe queste realtà.
Si prevede che presto uscirà altra musica. Per la prima europea dei Goat Unity, Guilherme ha preparato una presentazione speciale con una formazione che include i collaboratori di lunga data Thomas Rohrer e Rodrigo Brandão, entrambi presenti in Ghost Parades, oltre al maestro delle percussioni Fabio Freire. Potrebbero esserci ospiti a sorpresa, grazie all’ormai leggendario approccio di GG, orientato alla comunità.
Ci si può aspettare un incontro tra suoni organici ed elettronici, costruito su sottili linee di basso funky, psichedelia post-apocalittica brasiliana, temi spirituali caratterizzati da una forte presenza di batteria e trattamenti dub. Unitevi al rumore gioioso e pieno di “Positive Mental Attitude” di Granado, mentre inizia a svelare un universo unico nel suo genere.
São Paulo Underground (Rob Mazurek, tromba, elettroniche; Guilherme Granado, elettroniche; Mauricio Takara, batteria; Victor Vieira-Branco, vibrafono)
Festeggiando vent'anni di audace esplorazione musicale, i São Paulo Underground continuano a ridefinire le possibilità della composizione elettroacustica, della composizione spontanea e dell’invenzione sonora.
Fondato a San Paolo nel 2005 da Rob Mazurek e Mauricio Takara, l’ensemble ha debuttato più tardi quello stesso anno a Palma di Maiorca, in Spagna, e ha pubblicato la sua prima registrazione con l’etichetta Submarine Records di San Paolo, segnando l’inizio di una delle collaborazioni creative più originali della musica contemporanea.
Con l’arrivo di Guilherme Granado, il gruppo si è evoluto in un trio unico nel suo genere, la cui musica fonde le tradizioni ritmiche brasiliane, la sperimentazione elettronica, l’improvvisazione e universi sonori immersivi in un linguaggio collettivo in continua evoluzione.
Negli ultimi due decenni, i São Paulo Underground si sono esibiti nei principali festival e nelle istituzioni culturali in Europa, nelle Americhe e in Asia, costruendo al contempo una discografia acclamata che ha consacrato l’ensemble come una delle voci di riferimento nella musica creativa contemporanea.
Tra i progetti recenti figura l’opera audiovisiva commissionata Ping Pong per il Jazzfest Berlin, che estende la pratica del gruppo oltre il palcoscenico dei concerti, verso le immagini in movimento e la performance interdisciplinare.
All’inizio del suo terzo decennio di attività, il São Paulo Underground rimane fedele alla sua vocazione alla scoperta. Nel novembre 2026, il trio sarà Artista in Residenza proprio al Forlì Open Music, dove svilupperà nuovi lavori attraverso esibizioni, registrazioni e scambi creativi. Ogni esibizione è concepita come un evento unico, in cui composizione, improvvisazione, elettronica e intuizione collettiva convergono per rivelare nuovi paesaggi sonori.
In occasione del concerto, al trio si aggiungerà Victor Vieira-Branco al vibrafono, già al lavoro con Mazurek nell’Exploding Star Orchestra e per la colonna sonora del film The Mastermind di Kelly Reichardt, del 2025.
Fabrizio Ottaviucci – Pianoforte
Fabrizio Ottaviucci è uno dei più autorevoli interpreti italiani della musica contemporanea. Diplomato in pianoforte al Conservatorio Rossini di Pesaro sotto la guida di Paola Mariotti, ha studiato anche composizione e musica elettronica, costruendo un percorso nel quale il rigore dell’esecuzione convive con una spiccata vocazione per la ricerca e l’improvvisazione.
Particolarmente intenso è il suo rapporto con l’opera di Giacinto Scelsi, del quale ha studiato il repertorio pianistico direttamente con il compositore. Ottaviucci è inoltre interprete di riferimento per le musiche di John Cage, Karlheinz Stockhausen, Alvin Curran, Cornelius Cardew e Terry Riley.
Con quest’ultimo ha lavorato alla realizzazione di versioni inedite dei Keyboard Studies e di Tread on the Trail, pubblicate dall’etichetta Stradivarius.
Nel corso della carriera ha collaborato, tra gli altri, con Markus Stockhausen, Stefano Scodanibbio, Rohan de Saram, Mike Svoboda, Mario Caroli, Francesco Dillon e Daniele Roccato, esibendosi in Europa, America e Asia.
Dal 2011 al 2014 ha inoltre lavorato con la Socìetas Raffaello Sanzio, mentre nell’ambito dell’improvvisazione ha sviluppato un dialogo artistico con il poeta e artista statunitense Jim Dine.
Il pianoforte di Ottaviucci non cerca tanto di imporre una forma al suono quanto di ascoltarlo mentre prende forma. Silenzio, risonanza e durata diventano così materiali vivi: una musica concentrata e radicale, capace però di parlare anche a chi non frequenta abitualmente i territori dell’avanguardia.
Prati, Trovalusci, Schiaffini, Uitti (Walter Prati, elettroniche; Gianni Trovalusci, flauti; Giancarlo Schiaffini, trombone; Frances-Marie Uitti, violoncello)
Giancarlo Schiaffini
Nato a Roma, fisico, compositore, trombonista e tubista, è fra i primi esecutori di free jazz (anni Sessanta). Ha studiato a Darmstadt con Stockhausen, Ligeti e Globokar e a Roma con Evangelisti. Ha fondato Nuove Forme Sonore e ha fatto parte del Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza e della Italian Instabile Orchestra.
Ha insegnato in conservatorio e a Siena Jazz e ha tenuto seminari in Italia, a Freiburg, Melbourne e alla New York University. Ha collaborato con John Cage, K. Armitage, Luigi Nono e Giacinto Scelsi e ha suonato al Teatro alla Scala, all’IRCAM, a Donaueschingen, al Bimhuis e a JazzYatra (India). Ha svolto una residenza al Composers & Improvisers Forum Munich.
Ha registrato per le radio di molti Paesi e ha inciso più di 200 LP e CD. Ha pubblicato composizioni (BMG, Curci, Edipan, Ricordi), trattati sul trombone (Ricordi) e testi sull’improvvisazione, l’ascolto, la composizione e l’errore (Auditorium). È citato dalla Biographical Encyclopedia of Jazz (Oxford University Press).
Walter Prati
Compositore, violoncellista e performer elettronico, si diploma in composizione elettronica al Conservatorio G. Verdi di Milano nel 1981. Da allora divide la sua attività tra la creazione sonora (composizioni strumentali ed elettroniche, performance e improvvisazioni) e l’organizzazione produttiva, sia tecnologica sia delle arti performative in generale.
Svolge la sua attività artistica attraverso commissioni e partecipazioni a festival musicali e teatrali in Italia e all’estero. Si è esibito, tra gli altri, al Teatro alla Scala, a Milano Musica, alla Triennale di Colonia, al Contemporary Music Festival di Huddersfield, al CCA di Glasgow e all’Akademie der Künste di Berlino.
Ha inciso per Ricordi, BMG Ariola, Pentaflowers, Auditorium Edizioni ed ECM Records. È docente di ruolo di Composizione musicale elettroacustica al Conservatorio G. Verdi di Como e insegna Sound Design all’Istituto Europeo di Design di Milano.
Gianni Trovalusci
Flautista e performer, sviluppa la sua attività artistica tra musica scritta, aleatoria e improvvisazione, collaborando con artisti come Roscoe Mitchell, Hamid Drake, Frances-Marie Uitti, Walter Prati, Giorgio Nottoli, Luigi Ceccarelli, Ilan Volkov, Marcello Panni, Giorgio Battistelli, Nicola Sani e Giancarlo Schiaffini.
È stato solista con importanti orchestre, tra cui la BBC Scottish Symphony Orchestra, l’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna e la Roscoe Mitchell Orchestra.
È stato invitato da festival di riferimento come NYCEMF – New York City Electroacoustic Music Festival, Musicacoustica di Pechino, Tectonics Festival di Glasgow, AngelicA Festival di Bologna, Unerhörte Musik di Berlino, Ravenna Festival, Centro Tempo Reale di Firenze, IUC di Roma, Nuova Consonanza di Roma, Parade Électronique di Milano, Area Sismica di Forlì, Curva Minore di Palermo, Dissonanzen di Napoli e Splendor di Amsterdam.
Ha tenuto masterclass e laboratori in numerosi conservatori italiani e in Europa, negli Stati Uniti e in Cina. Ha inoltre registrato, tra gli altri, per Wide Hive Records, Da Vinci Classics, Folderol Records, Auditorium Edizioni e BBC Radio 3. È presidente della Fondazione Isabella Scelsi.
Frances-Marie Uitti
Frances-Marie Uitti ha inventato una tecnica esecutiva radicalmente innovativa che prevede l’uso simultaneo di due archetti, impugnati con una sola mano, per produrre accordi a quattro, tre e due voci, mantenendo la mano sinistra libera di modularli.
Oltre cinquanta compositori hanno scritto opere a lei dedicate utilizzando la tecnica dei due archetti, tra cui Giacinto Scelsi, Luigi Nono, György Kurtág, Horatio Radulescu, Jonathan Harvey, Richard Barrett e Luciano Chessa. Attualmente, Gérard Pape sta componendo un’opera per lei.
Per lei hanno inoltre scritto concerti per violoncello Per Nørgård, Jonathan Harvey, Peter Nelson e Calliope Tsoupaki.
Ha inventato risuonatori capaci di amplificare i battimenti e i subarmonici al di sotto della corda del Do, oltre ad aver progettato strumenti elettrici. Presso il CNMAT (Center for New Music and Audio Technologies) dell’Università della California, Berkeley, ha inventato un violoncello senza corde, a dodici sensori e con doppio ponticello.
Le sue composizioni le sono valse una borsa di studio della Fromm Foundation, un riconoscimento del National Endowment for the Arts, una residenza artistica presso Civitella Ranieri e commissioni da parte di istituzioni e festival quali l’Holland Festival, il Festival di Como, la Biennale di Venezia, l’ICM di Londra, National Sawdust di New York e l’IRCAM, tra gli altri.
Ha ricevuto per due volte una Regency Fellowship presso l’Università della California, San Diego, e successivamente un’altra presso l’Università della California, Berkeley.
Recentemente, il Fonds voor de Podiumkunsten le ha commissionato Al Khymia, un’opera della durata di un’ora basata su antiche partiture musicali originali del Bhutan risalenti al Novecento.
Ha composto Zhundra! per Matt Haimovitz, opera presentata in prima assoluta a New York, e Puja, un’importante composizione per quartetto di violoncelli con accordature modificate.
Le sue registrazioni sono pubblicate da ECM Records, Etcetera, Cryptogramophone, Zoar, Mode, JdK Records, Seraphin e BV Haast.
Ha tenuto masterclass in tutto il mondo per compositori e strumentisti ad arco presso istituzioni prestigiose, tra cui Yale, Stanford, Juilliard e Harvard.
Ha ottenuto una residenza artistica per la composizione presso Civitella Ranieri e, più avanti quest’anno, parteciperà a un progetto di co-composizione con Ying Wang presso l’Akademie der Künste di Berlino.
Ha inoltre recentemente ricevuto, insieme al compositore norvegese Rolf Wallin, una commissione sostenuta dall’Arts Council Norway. I suoi scritti sono stati pubblicati, tra gli altri, su Contemporary Music Review, dalla Cambridge University Press, su Granta, Tempo, MusikTexte e Arcana.
Rempis/Adasiewicz/Corsano Trio (Dave Rempis, sax; Jason Adasiewicz, vibrafono; Chris Corsano, batteria)
Ci sono i supergruppi e poi ci sono i SUPERGRUPPI. Questo trio, composto da tre improvvisatori di grande esperienza e prolifici, il cui lavoro è stato riconosciuto in tutto il mondo, non è né l’uno né l’altro. Si tratta di una band di musicisti con i piedi per terra e grandi lavoratori, la cui concentrazione e dedizione alla musica sono eccezionali.
Ciò non significa che questi tre non abbiano un curriculum complessivo che abbraccia un vero e proprio “Who’s Who” della musica contemporanea in molteplici scene. La loro filosofia, tuttavia, scaturisce dalla loro provenienza dal Midwest: un approccio concreto al lavoro collaborativo.
Il trio si è riunito per la prima volta all’Hungry Brain di Chicago durante una residenza di un mese, con appuntamenti ogni giovedì, organizzata da Rempis nel settembre 2024.
Il recente trasferimento di Corsano a Chicago ha rappresentato un’occasione attesa da tempo per collaborare nuovamente, dopo aver lavorato regolarmente con il quartetto From Wolves to Whales insieme a Nate Wooley e Pascal Niggenkemper a metà degli anni 2010.
Anche il recente ritorno di Adasiewicz alla musica, dopo una pausa pluriennale, lo ha posto in cima alla lista dei musicisti da coinvolgere in qualsiasi nuovo gruppo formato da Rempis, dopo molti anni di collaborazione all’inizio delle loro carriere.
Quel primo concerto all’Hungry Brain si è rivelato troppo avvincente per rimanere un evento isolato. Così hanno organizzato diverse altre esibizioni di successo a Chicago e Milwaukee nell’inverno del 2025, dalle quali è nato il loro album di debutto, Dial Up, pubblicato dall’etichetta Aerophonic Records di Rempis nel dicembre 2025.
Ascoltando il disco, si viene immediatamente avvolti dalla forza dell’estetica condivisa dalla band. Qui non c’è spazio per l’ego, ma semplicemente un’etica collaborativa che spinge la musica in avanti.
Sebbene questa sia una caratteristica storica della scena musicale improvvisata di Chicago, è anche un aspetto che Corsano ha fatto proprio nel proprio lavoro da decenni. Ed è proprio questo il motivo per cui il suo trasferimento in città e il suo inserimento nella scena locale risultano così naturali.
Questi tre musicisti respirano all’unisono con una sensibilità rara. E sebbene tutti e tre padroneggino una gamma ampia e unica di espressioni con i propri strumenti, non si ha mai la sensazione che lo sfarzo tecnico prenda il posto della musicalità. Ogni movimento è al servizio dell’evoluzione e dello sviluppo del suono spontaneo che generano.
Darius Jones Trio (Darius Jones, sax; Chris Lightcap, contrabbasso; Gerald Cleaver, batteria)
Darius Jones è un sassofonista contralto tanto feroce quanto tenero, incline sia a sfrenate esplosioni sonore sia a delicati lamenti. «Per molto tempo ho considerato il mio sassofono un’arma, proprio come un samurai considera la sua spada», ha raccontato una volta. «Ultimamente il rapporto si è evoluto in quello tra un animale e il suo compagno umano».
Il suo modo di suonare lascia spazio a entrambi questi ruoli, specialmente nella sua rivelatrice serie di nove album, Man’ish Boy, frutto di una riflessione pluriennale sulle difficoltà legate alla salute mentale degli uomini neri e sul lavoro necessario per superare i traumi.
Con il settimo capitolo, l’avvincente Legend of e’Boi (The Hypervigilant Eye) del 2024, ha urlato attraverso un’interpretazione di No More My Lord, stringendo, piegando e tirando la melodia di quella vecchia canzone carceraria fino a spezzarla tra le sue mani. Ma We Inside Now parlava della ricerca di conforto, del tentativo di trovare un posto tranquillo dove sedersi con il proprio blues.
Jones è un collaboratore instancabile: lavora con artisti del calibro di Marc Ribot e Matana Roberts, ha registrato diversi album con il grande Matthew Shipp e lo scorso anno ha fondato l’Otherlands Trio insieme al bassista Stephan Crump.
Ma, come si sente in Legend, ha anche creato un trio di lunga data e di grande profondità con il batterista Gerald Cleaver e il bassista Chris Lightcap. Queste sono le lotte e le storie di Jones, ma i suoi compagni sembrano condividerne il peso, fornendo una piattaforma per dar loro voce.
The Messthetics and James Brandon Lewis (Anthony Pirog, chitarra elettrica; Joe Lally, basso elettrico; Brendan Canty, batteria; James Brandon Lewis, sax)
La distanza tra la scena rock underground e il movimento del free jazz degli anni Sessanta, che ha superato i confini di genere, è più breve di quanto sembri.
Nel loro secondo album di collaborazione, Deface the Currency, i The Messthetics e James Brandon Lewis sono riusciti a colmare tale distanza, unendo la precisione post-punk della scena hardcore di Washington D.C. all’energia ad alto numero di ottani della tradizione rock rivoluzionaria di Detroit.
Creano così un legame potente tra le leggende dell’avanguardia “New Thing”, Pharoah Sanders e Sonny Sharrock, e l’intensità ad alta energia e la passione degli MC5 e degli Stooges di Detroit, nonché dei Fugazi, dei Nation of Ulysses e dei Faraquet di Washington D.C.
Non fraintendete: pur riuscendo a cogliere lo spirito di entrambe le correnti, il loro sound è interamente originale. Raggiungere questo risultato non è affatto facile.
Tuttavia, la formazione di grande impatto della band, che include ex membri dei Fugazi – il bassista Joe Lally e Brendan Canty alla batteria – fornisce la base ritmica telepatica che il chitarrista Anthony Pirog e il sassofonista tenore James Brandon Lewis sfruttano a loro vantaggio per creare linee melodiche penetranti e aggressive, capaci di portare la musica ovunque vogliano, spingendosi a vicenda in modalità d'attacco nel brano di apertura, Deface the Currency.
Non solo il brano che dà il titolo all'album, ma anche una vera e propria dichiarazione d'intenti per la band.
Qui Lewis suona con un senso di urgenza e aggressività che il suo sassofono riesce a malapena a contenere: strilla e squilla con passione, mostrando al contempo una grinta blues che di solito non si sente quando suona nel formato più tradizionale del quartetto.
Questa grinta gli permette di affrontare a testa alta il potente motore ritmico dei Messthetics, un'esplosione sonora che spinge entrambi verso nuove vette.
Redazione Diogene
giovedì 5 novembre 2026